O TEATRO DE ENTRETENIMENTO

 

 

     A partir de 1859, o teatro romântico e realista foram perdendo espaço para uma nova estética do espetáculo. Isso aconteceu principalmente em função da inauguração, no Rio de Janeiro, do Teatro Alcazar Lyrique, que teve à frente o empresário Joseph Arnaud. Em relação ao que se fazia antes, esta casa de teatro, com seu novo tipo de espetáculo, surgiu com perspectivas completamente diferentes no que diz respeito à encenação, como também em relação ao próprio ambiente. O espaço onde acontecia os espetáculos, deixou de ser um local hermeticamente fechado, como o teatro italiano, para se transformar num recinto etílico.

     Esse novo tipo de casa de espetáculos, além da própria apresentação, também proporcionava ao público assistente, a chance de poder beber algum drinque, em mesas dispostas na frente do palco. Era um teatro de entretenimento que trazia em seu bojo, uma montagem teatral, baseada na dança, na música, e principalmente na beleza das mulheres que se apresentavam com roupas bastante curtas; surgia assim, o teatro das vedetes.   Esses espetáculos se dividiam em duetos, operetas, revistas de ano, burletas, mágicas, pequenos vaudevilles e em cenas cômicas.

      Mesmo que no início tenham sidos apresentados em francês, com o passar do tempo e principalmente no ano de 1868, surgiu no Teatro Fênix Dramática, a peça Orfeu na Roça, de Francisco Corrêa Vasques, uma adaptação de Orphée aus enfers. Em seguida, em 1876, vai estrear a peça A Filha de Maria Angu, que era uma paródia de Artur Azevedo, escrita a partir da peça francesa La Fille de Madame Angot. Já em 1880, a opereta é reconhecida e nacionalizada por completo, por Artur Azevedo, em parceria com Francisco de Sá Noronha, em função da estreia da peça Os Noivos e a Princesa do Cajueiro.

     Um grande diferencial entre esses tipos de espetáculos era a Mágica. Tipo de representação que tinha características de uma grande performance teatral que encantava o público presente, que se surpreendia pelo fato das ações inesperadas em que os recursos visuais da cena surgiam e desapareciam, como num toque de mágica. A Mágica teve seu ápice entre o período de 1880 a 1890, resistindo até o início do século XX. Na história do teatro brasileiro, esse foi o período em que se deu mais prestígio para os cenógrafos e os maquinistas, em função de que as cenas das Mágicas, dependiam exclusivamente do trabalho desses profissionais.

     A energia elétrica foi usada pela primeira vez no teatro brasileiro, em 1884, por Artur Azevedo e Moreira Sampaio, na apresentação da peça O Mandarim, em que foi utilizado um pequeno gerador, que emitiu um foco de luz elétrica que passou rapidamente iluminando o palco. Na época, gerou grande revolução no teatro, e logo em seguida outras revistas passaram a se utilizar da energia elétrica para iluminar seus espetáculos. A expressão francesa mise en scènce, foi usada pela primeira vez no Brasil, também por Artur Azevedo, que no nosso português se tornou encenação, substituindo o trabalho do antigo diretor que passou a se denominar de encenador.

A OVELHA MALHADA

 

                                

         No ano de 2011, publiquei minha terceira obra infantil “A Ovelha Malhada” em preto e branco e para colorir. As ilustrações foram de J. Marcio, artista plástico, desenhista, pintor, cartunista, caricaturista e professor de artes visuais do Centro Profissional em Artes Visuais Cândido Portinari. Naquela época, ele tinha sido meu aluno e já era formado em Artes Visuais e demonstrava o que tinha de melhor na sua arte.

     Segundo a professora Dilene Kátia, no seu prefácio ela enfoca que, o livro “A Ovelha Malhada” além de ser instigante, faz uso de uma linguagem ao mesmo tempo simples e acessível ao público a que se destina. Palhano narra a estória de uma ovelha que enfrentou certas adversidades financeiras. Entretanto, soube lidar com as diferenças de cor e, já na companhia do grande amor de sua vida, supera as adversidades ao buscar novas alternativas, com recursos próprios, dedicando-se ao trabalho, de maneira a alcançar um final feliz. Desta forma, a produção volta suas lentes para as questões contemporâneas. Até porque, enfoca tanto o aspecto de persistência de uma ovelhinha esperta, em não se deixar esmorecer pelas dificuldades do cotidiano, bem como ressalta a quebra de paradigmas no que compete ao processo de inclusão social, tema tão necessário a ser abordado na atualidade”.

     O lançamento do livro “A Ovelha Malhada” aconteceu na Escola do SESC/Araxá, dentro da programação do Banquete literário. Foi uma tiragem de quinhentos exemplares. Dado sua importância, que foi reconhecida pelo setor pedagógico da escola, o SESC/Araxá adquiriu 250 exemplares, por sua vez, o SESI resolveu comprar os outros 250 volumes. Dizem que o escritor ganha muito dinheiro. Não sei não... visto que até os dias de hoje, esta foi a única obra que eu consegui, pelo menos, cobrir as despesas da impressão.  Com 28 obras publicadas, dessas, 24, eu mesmo que as produzi, no que diz respeito à escrita e à questão financeira. Portanto, costumo dizer, que eu não sou o Paulo Coelho, mas sim, o coelho do Paulo.

     Mas ainda acredito, que a maior satisfação para o escritor, não apenas é a questão financeira ou o lucro advindo de sua obra. Independente de questões monetárias, o maior contentamento de um escritor, é saber que sua obra está sendo lida e disseminada. Particularmente, eu escrevo por prazer, mas se em algum caso, a obra nos favorecer algum suporte econômico, que este seja bem-vindo. Na atualidade, observo o ato de escrever como uma necessidade premente e intrínseca da minha existência. Neste momento da minha vida, eu sinto extrema necessidade de estar escrevendo e me sinto confortável para a posteridade, observando o caráter de quem não tem fim.

     Gostaria de concluir este artigo, com a dignidade de um escritor frente à sua obra. Semana passado, fui ao SESC/Araxá fazer uma visita cordial à biblioteca lá existente, além de doar alguns livros de minha autoria. Eu me considero um leitor e eterno estudante, além de um doador de livros às bibliotecas. Pois bem! Em breve conversa com o pessoal da biblioteca e do setor de cultura do SESC, saí de lá muito feliz e de certa forma realizado como escritor, ao saber que a obra mais procurada daquela biblioteca é exatamente “A Ovelha Malhada”, de minha autoria. 

 

TEATRO REALISTA

 

 

     Até meados do século XIX, o teatro brasileiro vinha se desenvolvendo tendo como ponto de partida o teatro romântico. Sendo que, em 1855, inaugura-se o Teatro Ginásio Dramático, no Rio de Janeiro, que foi criado pelo empresário Joaquim Eleodoro Gomes dos Santos. Em contraposição à antiga estética teatral, esta nova casa de espetáculos, criou rupturas e quebrou paradigmas, quando trouxe para a cena brasileira, algumas peças francesas da nova escola realista, cujos temas abordados confrontavam com o cotidiano e costumes daquela burguesia em ascensão. Desta vez, estava em jogo uma renovação dramatúrgica que tinha por base autores como: Alexandre Dumas Filho, Émile Augier, Théodore Barrière, entre outros.

     Quando do advento do romantismo, João Caetano, primeiro empresário e ator brasileiro, que havia rechaçado as companhias, atores e atrizes portuguesas, reinava inconteste, com sua estética por décadas, e ainda não havia sido contrariado desde durante muito tempo. Mas, com a chegada da escola realista, tendo sido colocada para o público, com a inauguração do Teatro Ginásio Dramático, este fato causou um certo desconforto para o referido profissional das artes cênicas. Apesar disso, João Caetano permanece fiel aos cânones do romantismo até sua morte em 1863.

     Nesse período, o teatro estava sendo visto como uma escola moralizadora da sociedade, tanto para a burguesia como também para os mais abastados. Da mesma forma que, no século XVI, Shakespeare trouxe a sociedade burguesa elizabetana para o palco, desta vez, no século XIX, é a estética realista que vai trazer para o palco a ascendente burguesia brasileira. Os temas sugeridos nos textos e espetáculos realista, eram de preferência relacionados com a burguesia local. Da mesma forma que os melodramas, as peças de cunho realista, sempre chegam ao seu epílogo, revelando a vitória do homem idôneo e honesto.

     O teatro realista, como uma escola de bons costumes, não dá espaço para personagens como: esposas adúlteras, jovens revoltosos, agiotas, caça-dotes, viciados em jogos, golpistas, estelionatários e, principalmente as prostitutas, que parecem ser uma grande ameaça aos homens bons e casados, como também, era visto como uma afronta aos jovens de boa família. Esses personagens eram inviáveis para a boa formação do burguês e do homem idôneo daquela sociedade brasileira do século XIX

     Enquanto Furtado Coelho e Eugênia Câmara foram considerados os principais intérpretes desse período, por outro lado, Gabriela da Cunha e Adelaide Amaral, se tornaram as musas do teatro realista. Já o Teatro Ginásio Dramático teve total influência do Théâtre Gymnase Dramatique, de Paris. Diferentemente do teatro romântico, o teatro realista, como o nome já diz, trouxe para o palco mobiliário de verdade, com o objetivo de reproduzir de fato, o interior das salas das famílias burguesas. Em geral, o figurino se baseava na moda em voga e sempre era atual, de acordo com o que era usado na vida real. Já a ação dramática também se passava no presente. Aboliu-se o cunho meramente dramático e a movimentação dos atores se tornaram menos enfáticas e mais natural.

Teatro Amapaense: persistência e resiliência

 

     O público que se dirigiu este último final de semana para o anfiteatro da Fortaleza de São José de Macapá, (dias 6 e 7), para apreciar eventos de comemoração da Semana Santa, presenciou mais uma vez a apresentação do espetáculo teatral intitulado, Uma Cruz Para Jesus. Acontecimento muito especial para todos os cristãos que lá estiveram para ver o espetáculo da Companhia Teatro de Arena. Vale salientar que há 44 anos que esta companhia teatral tucuju vem apresentando a referida peça.

     Afirmar que este grupo de teatro vem se apresentando há mais de quatro décadas, parece até Fake News, mas, engana-se quem pensa assim! É a pura verdade e, os fatos comprovam isso. Todavia, a Semana Santa é um período que considero como um tempo ou uma data de forte expressão para o teatro do Amapá. Uma Cruz Para Jesus, teve sua primeira apresentação no ano de 1979, nasceu estritamente ligado à igreja católica, e foi uma ideia do ator e diretor Amadeu Lobato. Neste ano de 2023 é o quadragésimo quarto ano de sua ininterrupta apresentação na área externa da Fortaleza de São José de Macapá.

     É um espetáculo que acontece anualmente na cidade de Macapá, que tem como cenário os muros da Fortaleza de São José, e revela a luta, persistência e resiliência do teatro amapaense, que se faz conhecer por uma inspiração sobrenatural da figura do diretor teatral Amadeu Lobato, que tem sua vida dedicada ao teatro e particularmente à esta peça.                               Há 28 anos que, com muito respeito, acompanho de perto a obra do mestre Amadeu Lobato. É um espetáculo de sucesso, e que com o trabalho de vários anos conseguiu conquistar a atenção dos setores de cultura do Estado do Amapá.

     Certamente o espetáculo já cativou seu grande público, mas, vale salientar que esse tipo de espetáculo que é apresentado sempre em espaços abertos, se apoiando no teatro de arena, reclama maior atenção da plateia, visto que geralmente não há cadeiras no espaço ao ar livre, exigindo-se que os espectadores se acomodem da melhor forma possível; sentados ou em pé. Em alguns espetáculos desse gênero se exige ainda a movimentação constante do público presente em relação às cenas vindouras, como é o caso do espetáculo “A Paixão de Cristo” em Nova Jerusalém, sertão de Pernambuco.  

          A peça “Uma Cruz Para Jesus”, utiliza-se de vários cenários e vários planos. Com este trabalho, Amadeu Lobato virou escola e se transformou no ícone de um dos maiores teatros ao ar livre do Estado. Com uma vida dedicada ao teatro do Amapá, o ator e diretor de teatro Amadeu Lobato merece meus cumprimentos e minhas felicitações, em função de sua persistência e dedicação exclusiva à sua tradicional montagem do espetáculo “Uma Cruz para Jesus”. É um clássico ontológico. Uma peça em que não se paga ingresso, onde o acesso é livre para o público em geral.

 

 

 

 

 

 

 

33 ANOS DE UNIFAP

 

     A UNIFAP, foi fundada em função da Constituição de 1988, que determinou o fim dos Territórios Federais e sua consequente transformação em Estados, por outro lado, a maioria dos jovens do Amapá eram obrigados a se deslocar para a cidade de Belém do Pará, em busca de realizarem seus cursos profissionalizantes. Muitos desses jovens do Amapá que tiveram que ir estudar em Belém, se tornaram professores efetivos da UNIFAP.

     A Universidade Federal do Amapá ainda era quase um embrião, mas já havia nascido, quando assumi a função de professor daquela instituição de ensino superior. Fundada em 1990, e este ano comemorando seu trigésimo terceiro aniversário, tive a oportunidade de praticamente, acompanhar todo esse processo de amadurecimento da nossa UNIFAP. A primeira vez que estive no Amapá foi em setembro de 1994, para me submeter à concurso público para o cargo de professor do magistério superior, para exercer minhas funções no antigo Curso de Educação Artística, aliás, primeiro curso desta universidade, que foi reconhecido pelo Ministério da Educação e Cultura.

          Naquela ocasião, a instituição estava engatinhando, apenas com quatro anos de sua fundação. Possuía em torno de seis prédios, nove cursos de graduação, e aproximadamente 2.800 alunos regularmente matriculados, e já estava na gestão de Antônio Gomes de Oliveira, terceiro Reitor pró-tempore, que havia assumido o cargo no ano de 1993, período que foi concluído em 1997. Antes dele, houve a primeira gestão de Maria Alves de Sá, de 1990 a 1992, e ainda, a segunda gestão que foi de Laíse do Amparo Braga, que assumiu no período de 1992 a 1993. Ao mesmo tempo em que foi implantada, a instituição permaneceu no mesmo espaço físico do antigo Núcleo de Ensino de Macapá, hoje conhecido como antigo NEM, que fazia parte do projeto de interiorização da Universidade Federal do Pará.

     Foi muito importante a contribuição de vários colegas professores e funcionários ligados ao antigo território federal do Amapá. Uma quantidade considerável de professores do antigo território ministrou aulas nos momentos embrionários da nossa instituição, sem eles, teria sido muito difícil chegarmos ao trigésimo terceiro aniversário da UNIFAP. Uma dessas pessoas foi a professora Nazaré Trindade, primeira Coordenadora do antigo Curso de Educação Artística.

     O primeiro concurso para professores aconteceu em 1993 e o segundo se deu no ano de 1994, do qual, fui candidato, galgando o primeiro lugar naquele certame. Sem sombra de dúvidas, nesses últimos 33 anos, a UNIFAP cresceu e muito, principalmente a partir do ano de 2006, quando o governo federal investiu pesado na educação de todo o país, suprindo as necessidades das universidades, especialmente na pesquisa, ensino e extensão, espaços físicos e criação de novos cursos.  Notadamente, é de fundamental importância a presença dessa instituição de ensino superior no Amapá, nos dias de hoje, quando deu um grande salto e já possui 29 cursos de graduação e, conta com 13 programas de pós-graduação. Aqui deixo meu enaltecimento e meus parabéns à UNIFAP.

VIVA O TEATRO

 

     Hoje, 27 de março, comemora-se o dia internacional do teatro. Em relação a isso, resolvi trazer à tona, esse tema tão importante para nossa cultura, já que temos atualmente no Amapá, vários artistas profissionais do teatro, principalmente, em função da implantação do Curso de Licenciatura em Teatro da UNIFAP, que iniciou sua primeira turma no ano de 2014. Ao todo, são seis turmas que já concluíram o referido curso, sendo um total aproximado de 280 profissionais da área, levando-se em consideração que os egressos seguem caminhos diferentes: alguns encaminham-se para a carreira acadêmica, enquanto outros decidem pela carreira artística. Vale salientar ainda, nossa Pós-graduação latu senso em “Estudos Teatrais Contemporâneos”.

     Sobre a questão do teatro propriamente dito, observo que do ponto de vista histórico e com os elementos que conhecemos na atualidade, pode-se afirmar que o teatro surgiu na Grécia Clássica, embora pesquisas recentes venham demonstrar que muito antes, os egípcios, os indianos e os chineses já o praticavam. Portanto, não se pode negar que a cultura oriental é muito sedimentada, mas embora o oriente praticasse teatro antes dos gregos, essa prática acontecia primitivamente em forma de rituais religiosos.

     Todos sabem que o teatro é uma arte exclusivamente coletiva, visto que é resultado da união de várias artes, como: dança, música, canto, fala, movimento, literatura, artes visuais, arquitetura, circo, mímica, pantomima, cinema, entre outras. Todavia, na manifestação teatral, encontramos várias formas de expressão: expressão gestual; expressão verbal; expressão visual; expressão musical e expressão escrita. Mas há uma inquietação essencial, no que diz respeito aos principais elementos que constituíram a base fundamental do teatro grego.

     Em relação a essa questão, fica claro que esse alicerce remoto gira em torno de duas artes distintas: a música e a dança; como também poderia ter sido a fala, levando-se em consideração a atitude de Téspis, quando, pela primeira vez, falou no Culto a Dioniso, em primeira pessoa, a seguinte frase: “- Eu sou Dioniso”. Além de ser considerado o primeiro ator, com esse gesto e esse ato, ele também é considerado como o impulsionador da literatura ocidental. No entanto, há muitas controvérsias...!  Enquanto alguns autores defendem a dança, como princípio fundamental da origem do teatro, outros defendem a música. Sabe-se que muitos povos primitivos já praticavam a dança em suas manifestações comemorativas e religiosas, em seu livro “O Teatro Grego”, António Freire afirma que: “As primeiras sociedades primitivas acreditavam que a dança imitativa influenciava os fatos necessários à sobrevivência através de poderes sobrenaturais, por isso alguns historiadores assinalam a origem do teatro a partir desse ritual.”

     Por outro lado, essas manifestações religiosas aconteciam em círculo, como forma de cultuar os deuses, e tem relação direta com os astros e o movimento do universo. Tendo como ponto de partida de que todos os movimentos dos astros são circulares, os egípcios, por exemplo, dançavam em círculo em torno do altar, e esse fenômeno permanece hodiernamente, até os dias de hoje, como exemplo maior, temos no Brasil, a dança da ciranda e ainda vários cultos afrodescendentes, entre outros.     

     Etimologicamente o termo teatro deriva do latim theatrum e do grego theatron, que dá ao vocábulo o sentido de miradouro, praticamente, lugar de onde se vê, lugar para olhar, de theasthai, “olhar”, mais – tron, sufixo que denota “lugar”. Entendendo-se dessa maneira, que o sentido primitivo da palavra “teatro”, estava relacionado estritamente com a ideia da visão, lugar de contemplação. Esse verbete, que significava o prédio onde são realizados espetáculos, posteriormente, se tornou mais amplo e a ter maior alcance, com vários sentidos conotativos, designando peças, produção, preparação de uma peça teatral em geral, edifício, entre outros.

     Sem embargo, esse teatro do qual conhecemos na atualidade, originou-se basicamente de três festividades gregas, às quais, apresentavam características especificas com seus cultos e seus mistérios: a) dos mistérios de Delos; b) dos mistérios de Elêusis; e c) dos mistérios do culto ao deus Dioniso. Tanto em Delos quanto em Elêusis, sempre havia comemorações e festividades dedicadas a Dioniso. Todavia, acredita-se que, segundo estudos históricos e antropológicos já realizados, o culto ao deus Dioniso, é a mais provável hipótese e o principal vetor do surgimento do teatro. 

     Em função dessas atividades teatrais persistirem até nossos dias, foi que em 1961, o Instituto Internacional do Teatro da UNESCO, órgão das Nações Unidas, voltado para a educação, ciência e cultura, resolveu criar uma data dedicada às atividades culturais ligadas à representação, durante o seu IX Congresso Mundial, em Viena, Áustria. Portanto, em função da inauguração do Teatro das Nações, em Paris, França, em 27 de março de 1962, tem sido celebrado o Dia Internacional do Teatro. A data 27 de março, assinala também a inauguração das temporadas internacionais no referido teatro.

NÍSIA FLORESTA

 

     Dionísia Gonçalves Pinto, conhecida como Nísia Floresta Brasileira Augusta, ou mais especificamente como Nísia Floresta, foi escritora, poetisa e fundou a primeira escola voltada para a educação feminista no Brasil. Nasceu no Rio Grande do Norte, em 12 de outubro de 1810, na antiga cidade de Papary, que hoje leva o seu nome, e faleceu no dia 24 de abril de 1885, na cidade de Rouen, França. Como mulher de sua época, foi protagonista nas letras, no jornalismo e nos movimentos sociais. Ela viveu em diferentes estados da federação, e é considerada a primeira feminista brasileira.

     Nísia Floresta escreveu aproximadamente quatorze obras e defendeu os direitos das mulheres, dos índios e dos escravos, como também fez parte das campanhas abolicionista e republicana. Ela influenciou as mulheres de sua época, principalmente após a fundação do “Colégio Augusto”, que se situava na Rua Direita, 163, no Rio de Janeiro. A referida escola passou a ensinar gramática, escrita e leitura do português, francês e italiano, ciências sociais e naturais, matemática, música e dança, especificamente às meninas moças daquela época.

      Em 18 de fevereiro de 1852, o pequeno povoado desmembrou-se de São José de Mipibu, tornando-se município, denominado de Vila Imperial de Papary. Em função do reconhecimento da escritora ilustre, tanto em território brasileiro como também no exterior, em 1948, a antiga cidade litorânea de Papary, no Estado do Rio Grande do Norte, em sua homenagem, adotou seu nome e passou a se chamar cidade de Nísia Floresta, embora jamais a estação de trem tenha alterado o antigo nome.

     Segundo o município, seu pseudônimo, Nísia Floresta, remete-nos ao final do seu nome Dionísia; e Floresta, origina-se do lugar em que ela nasceu, que se chamava Sítio Floresta. Por outro lado, trarei algumas reflexões em relação ao seu nome artístico, relacionando-o aqui, com o mito do deus do teatro. Em função da ira de Hera, Dionísio foi levado para ser criado no Vale do Nisa. Como o nome Zeus também podia ser escrito Dios, logo, o nome do filho de Zeus passou a ser conhecido como o Zeus de Nisa, o Zeus Nísio, ou apenas Dios, mais Nisio, igual a Dionísio. Nisa era uma montanha da Beócia, localizada na região central da Grécia, onde Dionísio foi criado. Lá também havia os Campos Elísios, ou seja, o paraíso grego.      

     Como a escritora em tela, se chamava Dionísia e era uma pessoa culta, letrada e erudita, talvez ela não tivesse apenas se ligado ao final do seu nome, Nísia, ou mesmo ao Sítio Floresta, lugar em que ela nasceu, para criar seu nome artístico, Nísia Floresta. Acredito que, por ser uma pessoa instruída, ela tinha pleno conhecimento da mitologia grega e consequentemente, do deus do vinho, Dionísio, como ainda, do Vale do Nisa, que também era uma Floresta. Lembrando que Dionísia é feminino de Dionísio. Nesse caso, podemos culminar com a seguinte conclusão: Nísia de Dionísia, e Floresta, do Sítio Floresta; como também poderia ser, Nísia do Vale de Nisa, onde viveu Dionísio, e ainda, Floresta, da qual, se compõe o próprio espaço geográfico do Vale do Nisa. De qualquer forma, já que a cidade é Nísia Floresta; a Floresta é de Nísia.